Traducción al español después del texto noruego

De fleste tar bilder av seg selv. Det skjer på reise, på kafé, på konserter, foran kjente bygg eller sammen med andre. Vi kaller det selfier og profilbilder. I praksis er det portretter.

På Plaza de Asorey i Cambados står «Rostros», en utendørs utstilling med portretter fra kunstsamlingene til ABANCAog Afundación. Bildene er satt opp ute på plassen som en del av Corriente Cultural som er et program for å bringe kunsten til folket.

For meg passet dette godt inn i arbeidet med streetfoto i Galicia. Når man går ute med kamera, må man hente impulser fra alt som finnes rundt en. Alt kan påvirke hvordan man ser.

Portretter handler mye om valg. Hvor tett man går på. Hva som er med i bakgrunnen. Hvordan lyset faller. Om personen ser inn i kameraet eller bort. Slike ting avgjør om bildet bare viser et ansikt, eller om det faktisk sier noe mer.

Det samme gjelder selfien. Den kan virke tilfeldig, men som regel er det gjort valg. Vinkel, lys, sted og uttrykk betyr noe. Folk vil vise seg fram på en bestemt måte. Det er ikke nytt. Det nye er at alle kan gjøre det selv, med mobilen i hånden.

ABANCA er en galicisk bank med en stor kunstsamling. Afundación er kulturstiftelsen deres. Gjennom Corriente Cultural blir deler av samlingen vist ute i byene. I Cambados fungerer det fordi utstillingen står der folk faktisk går.

For norske lesere gir «Rostros» også en enkel inngang til Galicia som kunst- og kultursted. Dette er ikke bare vin, sjømat og gamle steingater. Det finnes også sterke kunstsamlinger, og de blir brukt ute i det offentlige rommet.

For meg ble utstillingen først og fremst en påminnelse om å se bedre. Et ansikt er aldri bare et ansikt i et bilde. Det handler også om stedet, lyset, blikket og øyeblikket rundt.

Her kan du lese om de ulike verkene og kunstnerne og la deg inspirere til din neste selfie.

RAMÓN CAAMAÑO

Familieportrett, ca. 1940
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Fotografi, 60 x 50 cm

Kanskje var dette fotografiet det eneste minnet den unge mannen i dress og slips tok med seg da han emigrerte, med håp om en bedre framtid. De formelle klærne og det bestemte blikket får oss til å tenke at det er han som reiser, og som skiller lag med familien sin, bestående av bestemoren, med et rolig og verdig uttrykk, og yngre søstre og brødre med en sjenert, alvorlig og behersket holdning. Det er et portrett av en hard virkelighet, fanget av den selvlærte fotografen Ramón Caamaño. Den formelle kvaliteten og uttrykkskraften i fotografiene hans gjør at de løftes ut av hverdagen og blir kunst, samtidig som de har stor etnografisk verdi.

MARÍA CORREDOIRA

Portrett av bondekvinne, 1912
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Olje på lerret, 34 x 24 cm

Denne kunstneren arbeider i verkene sine med et intimt og sannferdig maleri av høy formell kvalitet, med en sikker tegning og en rik og klok fargepalett. Motivkretsen hennes er knyttet til interiører og folkelige typer, særlig galiciske bondekvinner, framstilt med en umiskjennelig poetisk tone. Hun er i stand til å fange stillheten i et tilsynelatende ubetydelig øyeblikk, fylt av mildhet og ettertanke. I dette portrettet understrekes det ungdommelige uttrykket av fargene i det typiske hodeplagget til den galiciske bondekvinnen, knyttet rundt hodet. Hun dekker seg med et sjal, som om hun skulle til messe eller marked, og det faller nedover ryggen hennes og rammer inn hodet med skygger som gir portrettet atmosfære.

CARLOS MASIDE

Kvinne på vei, 1934
SAMLINGEN ABANCA
Olje på lerret, 49 x 55 cm

Maside regnes som minnets portrettmaler. I dette verket skildrer han en realistisk framstilling av en bondekvinne. I ansiktet hennes ser vi huden, herdet av arbeid, det innovervendte uttrykket og det fjerne blikket. Ømheten og sympatien Maside føler for landsbyfolk og de galiciske bygdene, kommer fram i denne typen ansikter, fanget med en særlig følelse av nærhet, der han skildrer bruddstykker av hverdagslivet. Kunstneren viser her stor beherskelse av tegning og fargebruk, og bruker materialets ru overflate som en etterligning av granittens tekstur, et grunnleggende element i galicisk kultur.

JOSÉ OTERO ABELEDO, LAXEIRO

Skremt, 1963
SAMLINGEN ABANCA
Olje på lerret, 27,5 x 21,5 cm

I Laxeiros verk finner vi en rekke tilbakevendende temaer som danner grunnlaget for hele produksjonen hans: karneval, dionysiske fester, dukker, maskerader, figurer og en hel fantasiverden hentet fra barndommen hans og fra folkelige legender. I 1960-årene, perioden dette verket tilhører, ble Laxeiro påvirket av amerikansk abstraksjon og europeisk informalism, men blandet dette med sitt eget syn på det mørke Spania. Det knytter ham direkte til Goyassvarte malerier.

ANTÓN LAMAZARES

Lola, ca. 1985
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Blandet teknikk på kartong, 123 x 125 cm

Lamazares’ maleri handler om spiritualitet, følelser, natur, territorium, liv og død. Han begynner med en leken figurativ stil på enkle materialer som kartong og tre, med sterke farger som peker mot art brut og arte povera. Senere utvikler han teknikken ved å innføre satinert og blank lakk på disse underlagene, som resultat av sin eksperimentelle trang. I verket Lola arbeider han med et portrett i monumental form. Med en bitende og til dels ironisk tone skaper han et deformert vesen der det groteske og absurde blandes med en dramatisk ånd.

SOLEDAD PENALTA

Hode, 1997
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Jern, 86 x 116 x 59 cm

Soledad Penalta regnes som stålets kunstner og er en av de viktigste skikkelsene i moderne skulptur. Hun var den første kvinnen som ble fullt medlem av skulpturseksjonen i Real Academia Galega de Belas Artes. Dette hodet, plassert direkte på bakken, framstår som et antropomorft vesen der kunstnerens galiciske opphav fortsatt er til stede. Volumet, kantene og kurvene deformerer hodet og gir det anonymiteten til en maske eller en totemfigur, samtidig som den egen monumentale kraften ligger i formen. Når vi betrakter det, er det lett å tenke på de mer enn tusen steinansiktene som stirrer fast mot horisonten på den gåtefulle øya Rapa Nui.

JULIA MINGUILLÓN

Tyla og jeg, 1943
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Olje på plate, 142 x 110 cm

Julia Minguillón var en av de få galiciske kvinnelige kunstnerne som oppnådde virkelig nasjonal anerkjennelse i sin egen tid. I dette selvportrettet viser hun seg sammen med hunden Tyla, omgitt av landskapet fra Lugo-området i bakgrunnen. Med rytmisk tegning og lange, realistiske penselstrøk framstår hun som full av personlighet: ekte, mild og rolig. Slik viser hun sin tekniske beherskelse av maleriet, samtidig som hun tar vare på den følelsesmessige siden.

CARMEN LEGÍSIMA

Min søster, 1943
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Olje på lerret, 103 x 94 cm

For dette verket mottok kunstneren første sølvmedalje ved Den nasjonale kunstutstillingen i Madrid i 1943. Legísimas maleri kan beskrives som realistisk med barokk tendens og en mystisk aura. Tegningen hennes er fast, penselføringen tykk, kompleks og kraftfull, og hennes foretrukne sjangre er stilleben og portrett. I dette verket maler hun søsteren Asunción, kledd i kapusinerdrakt. Rynkene og foldene gir en usedvanlig virkning av lys og tekstur, som minner om spansk 1600-tallsmaleri. Søsteren sitter i cellen sin, omgitt av hverdagslige gjenstander i en åndelig atmosfære.

DIONISIO FIERROS

Portrett av D. Evaristo de la Riva, 1879
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Olje på lerret, 122 x 83 cm

Dionisio Fierros begynte sin karriere som maler i Madrid, dit han dro som ung. Der kopierte han malerier i skjul mens han arbeidet i tjeneste hos markien av San Adrián. Etter utdanningen viet han seg til bestillingsportretter, som han behandlet med realisme, men også med et romantisk preg. Dette portrettet av don Evaristo de la Riva viser malerens formelle kvalitet. Han søker å gjengi personens utseende trofast, også teksturen i klærne, med stor omsorg for detaljene og uten synlige spor av penselstrøk. Lyset faller på ansiktet hans, med et rolig og intenst blikk som formidler en fornem framtoning og peker mot hans høye sosiale posisjon.

JANO MUÑOZ

Martín Muñoz, 2005
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Olje på lerret, 116 x 81 cm

Er dette et maleri eller et fotografi? Det spørsmålet kan lett melde seg hos den som ser verket til Jano Muñoz, en kunstner som behandler hverdagslige situasjoner med en hyperrealistisk teknikk. Portrettet av sønnen, Martín Muñoz, er inspirert av barokkens chiaroscuro. Mot en mørk bakgrunn trer gutten fram, med nøye kontrollert lys og dempede fargetoner. Kunstneren nøyer seg ikke med å gjengi utseendet hans med en feilfri teknikk, men speiler også barnets indre verden i dette øyeblikket, der han er sur og innesluttet.

MARUJA MALLO

Blond kvinne, ca. 1951
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Olje på plate, 49 x 40 cm

Hieratisk og med et gjennomtrengende blikk hyller Maruja Mallos Blond kvinne den kvinnelige skjønnheten og representerer en etnisk arketype. Verket uttrykker lengselen etter en ny menneskelighet som oppstår gjennom blandingen av alle varianter. Dette følger linjen i serien hennes med todimensjonale portretter, laget under eksilet i Amerika, der kunstneren foreslår et sterkt strukturert bilde, basert på presis tegning og geometriserte, monumentale former, der lys og skygge framhever volumene.

ANTONIO MURADO

Selvportrett som fan av David Allen Coe, 2005
SAMLINGEN ABANCA
Olje på lerret, 103 x 94 cm

Dette verket er en del av serien «AM 34 x 24 Vol. I», som består av mer enn hundre arbeider i identisk format. I disse tar kunstneren for seg temaer som inngår i hans personlige billedverden: landskapet, historien, minnet og maleriet. Serien presenterer også et omfattende galleri av mennesker nær kunstneren, som venner og familiemedlemmer, sammen med en rekke scener som henter fram barndomsminner og gir oss innblikk i hans mer ukjente intimitet. Lerretet blir her et sant selvbiografisk vitnesbyrd, materialisert gjennom maleriet.

FRANCISCO LLORÉNS

Portrett av min datter Eva, 1936
SAMLINGEN ABANCA
Olje på lerret, 90 x 70 cm

Dette verket er et sittende portrett av Lloréns’ eldste datter, framstilt i trekvartfigur foran et marint landskap. Det ble trolig malt under sommeroppholdene hans i Galicia. Lyset konsentreres om den unge kvinnen, mens landskapet har en tett og grå atmosfære. I kontrast til den løse teknikken som er brukt i bakgrunnen, er selve portrettet utført med nøyaktighet og omhu, og med en mer presis og mindre materiell penselføring. Bruken av hvitt skiller seg ut, helt i impresjonistisk smak, siden denne fargen gjør det mulig å fange et stort spekter av lyse nyanser, gjengitt med iriserende skiftninger i ulike toner.

SANTI JIMÉNEZ

Den fortærende, 2009
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Blandet teknikk på papir, 110 x 102 cm

Hoveddelen av Santi Jiménez’ produksjon bygger på figurativ tegning på papir. Skapelsesprosessen hans begynner med fotografiske referanser, som allerede antyder bestemte komposisjoner, uttrykk og positurer. Resultatet er isolerte figurer, digitalt bearbeidet og deretter fullført med ulike elementer som endrer konteksten. I verkene hans kan man se en viss påvirkning fra tegneserien, i tillegg til nøytrale bakgrunner som øker figurenes betydning, og innlagte elementer som lydord eller visuelle effekter.

MARÍA ANTONIA DANS

Portrett av jente, 1970
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Olje på lerret, 103 x 94 cm

María Antonia Dans var en rastløs kunstner, anerkjent både nasjonalt og internasjonalt. Hun deltok i samtalene på Café Gijón, der hun ble kjent med Camilo José Cela, José Hierro og Carmen Laforet. Maleriet hennes er dypt og bevisst naivt. Penselføringen er svært effektiv, fargene er sterke, men dempet med mildhet, og hun gjør bruk av korte tegneriske strøk. Hun finner tematisk inspirasjon i landskapene, en sjanger hun utmerket seg i, og i galiciske folkelige temaer, der hun uttrykker minner og erfarte sanseinntrykk.

JUAN LUIS LÓPEZ

Fiskeselger, ca. 1965
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Olje på lerret, 118 x 147 cm

Juan Luis er en glad maler, med sterke farger og folkelivsskildrende tematikk. De portretterte menneskene hans er ofte velnærte, smilende og kraftig bygde, mennesker som ser ut til å bære arbeidets slit uten tyngde. Det finnes en bevisst folklorisme i dette maleriet, og en utmerket balanse mellom beherskelsen av tegningen og fargens kraft. Juan Luis’ verk er viktig som vitnesbyrd om mennesketyper og skikker som er i ferd med å forsvinne.

HELENA SEGURA-TORRELLA

Sneglehus-suppe, 2008
KUNSTSAMLINGEN AFUNDACIÓN
Fotografi på Ilfoflex-papir (3/7), 118 x 150 cm

Dette verket tilhører serien «Gjennom speilet», der kunstneren speiler sin fascinasjon for Lewis Carrolls litterære verk. Det er en invitasjon til å tre inn i en parallell verden som fungerer som et tilfluktssted når livet slår seg vrangt. Med en svært gjennomarbeidet iscenesettelse skildrer kunstneren oppdagelsen av livet gjennom det rene blikket til en jente, Beatriz, hennes egen datter. Dette verket er seriens mest selvbiografiske og symbolske arbeid. Det dreier seg om et selvportrett gjennom Beatriz’ blikk, der elementer fra maleriet til kunstnerens far smelter sammen med fotografiske bilder og fører betrakteren inn i en drømmeaktig verden.

El selfie y el retrato

La mayoría de la gente se hace fotos a sí misma. Ocurre de viaje, en una cafetería, en conciertos, delante de edificios conocidos o junto a otras personas. Lo llamamos selfies, fotos de perfil e historias. En la práctica, son retratos.

En la Plaza de Asorey, en Cambados, se encuentra «Rostros», una exposición al aire libre con retratos procedentes de las colecciones de arte de ABANCA y Afundación. Las imágenes están instaladas en la propia plaza como parte de Corriente Cultural.

Para mí, esto encajó muy bien con el trabajo de fotografía callejera en Galicia. Cuando uno camina con la cámara, tiene que recoger impulsos de todo lo que hay alrededor. Todo puede influir en la manera de mirar.

Los retratos tienen mucho que ver con las elecciones. Qué cerca se coloca uno. Qué aparece en el fondo. Cómo cae la luz. Si la persona mira a la cámara o aparta la vista. Ese tipo de cosas decide si la imagen solo muestra un rostro, o si realmente dice algo más.

Lo mismo ocurre con el selfie. Puede parecer casual, pero normalmente hay decisiones detrás. El ángulo, la luz, el lugar y la expresión importan. La gente quiere mostrarse de una manera concreta. Eso no es nuevo. Lo nuevo es que todos pueden hacerlo por sí mismos, con el móvil en la mano.

ABANCA es un banco gallego con una gran colección de arte. Afundación es su fundación cultural. A través de Corriente Cultural, partes de la colección se muestran al aire libre en las ciudades. En Cambados funciona porque la exposición está situada allí por donde la gente pasa de verdad.

Para los lectores noruegos, «Rostros» también ofrece una entrada sencilla a Galicia como lugar de arte y cultura. Esto no es solo vino, marisco y viejas calles de piedra. También existen colecciones de arte importantes, y se utilizan en el espacio público.

Para mí, la exposición fue ante todo un recordatorio de mirar mejor. Un rostro nunca es solo un rostro en una imagen. También tiene que ver con el lugar, la luz, la mirada y el instante que lo rodea.

Aquí puedes leer sobre las distintas obras y artistas, y dejarte inspirar.

RAMÓN CAAMAÑO

Retrato de familia, ca. 1940
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Fotografía, 60 x 50 cm

Quizá esta fotografía fue el único recuerdo que el joven vestido con traje y corbata llevó consigo cuando emigró, con la esperanza de un futuro mejor. La ropa formal y la mirada decidida nos llevan a pensar que es él quien se marcha y se separa de su familia, formada por la abuela, con una expresión tranquila y digna, y por hermanas y hermanos menores con una actitud tímida, seria y contenida. Es el retrato de una realidad dura, captada por el fotógrafo autodidacta Ramón Caamaño. La calidad formal y la fuerza expresiva de sus fotografías hacen que se eleven por encima de lo cotidiano y se conviertan en arte, al mismo tiempo que poseen un gran valor etnográfico.

MARÍA CORREDOIRA

Retrato de campesina, 1912
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Óleo sobre lienzo, 34 x 24 cm

Esta artista trabaja en sus obras con una pintura íntima y veraz, de gran calidad formal, con un dibujo seguro y una paleta rica y sabia. Sus temas están vinculados a interiores y tipos populares, sobre todo campesinas gallegas, representadas con un tono poético inconfundible. Es capaz de captar el silencio de un momento aparentemente insignificante, lleno de suavidad y reflexión. En este retrato, la expresión juvenil se subraya mediante los colores del tocado típico de la campesina gallega, anudado alrededor de la cabeza. Se cubre con un mantón, como si fuera a misa o al mercado, y este cae por su espalda y enmarca la cabeza con sombras que dan atmósfera al retrato.

CARLOS MASIDE

Mujer en camino, 1934
COLECCIÓN ABANCA
Óleo sobre lienzo, 49 x 55 cm

Maside es considerado el retratista de la memoria. En esta obra describe una representación realista de una campesina. En su rostro vemos la piel endurecida por el trabajo, la expresión recogida y la mirada lejana. La ternura y la simpatía que Maside siente por la gente del campo y las aldeas gallegas aparecen en este tipo de rostros, captados con una especial sensación de cercanía, donde retrata fragmentos de la vida cotidiana. El artista muestra aquí un gran dominio del dibujo y del color, y utiliza la superficie áspera del material como una imitación de la textura del granito, un elemento fundamental de la cultura gallega.

JOSÉ OTERO ABELEDO, LAXEIRO

Asustado, 1963
COLECCIÓN ABANCA
Óleo sobre lienzo, 27,5 x 21,5 cm

En la obra de Laxeiro encontramos una serie de temas recurrentes que forman la base de toda su producción: el carnaval, las fiestas dionisíacas, los muñecos, las mascaradas, las figuras y todo un mundo fantástico tomado de su infancia y de las leyendas populares. En la década de 1960, periodo al que pertenece esta obra, Laxeiro recibió la influencia de la abstracción americana y del informalismo europeo, pero mezcló todo ello con su propia visión de la España oscura. Esto lo vincula directamente con las pinturas negras de Goya.

ANTÓN LAMAZARES

Lola, ca. 1985
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Técnica mixta sobre cartón, 123 x 125 cm

La pintura de Lamazares trata sobre espiritualidad, sentimientos, naturaleza, territorio, vida y muerte. Comienza con un estilo figurativo lúdico sobre materiales sencillos como cartón y madera, con colores fuertes que apuntan hacia el art brut y el arte povera. Más tarde desarrolla la técnica al introducir barnices satinados y brillantes sobre estos soportes, como resultado de su impulso experimental. En la obra Lola trabaja con un retrato de forma monumental. Con un tono mordaz y en parte irónico, crea un ser deformado en el que lo grotesco y lo absurdo se mezclan con un espíritu dramático.

SOLEDAD PENALTA

Cabeza, 1997
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Hierro, 86 x 116 x 59 cm

Soledad Penalta es considerada la artista del acero y una de las figuras más importantes de la escultura moderna. Fue la primera mujer en convertirse en miembro de pleno derecho de la sección de escultura de la Real Academia Galega de Belas Artes. Esta cabeza, colocada directamente en el suelo, aparece como un ser antropomorfo en el que el origen gallego de la artista sigue estando presente. El volumen, los bordes y las curvas deforman la cabeza y le dan el anonimato de una máscara o de una figura totémica, mientras su propia fuerza monumental reside en la forma. Al contemplarla, resulta fácil pensar en los más de mil rostros de piedra que miran fijamente hacia el horizonte en la enigmática isla de Rapa Nui.

JULIA MINGUILLÓN

Tyla y yo, 1943
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Óleo sobre tabla, 142 x 110 cm

Julia Minguillón fue una de las pocas artistas gallegas que alcanzaron verdadero reconocimiento nacional en su propia época. En este autorretrato se muestra junto a su perro Tyla, rodeada por el paisaje de la zona de Lugo al fondo. Con un dibujo rítmico y pinceladas largas y realistas, aparece llena de personalidad: auténtica, suave y tranquila. Así demuestra su dominio técnico de la pintura, al mismo tiempo que conserva la dimensión emocional.

CARMEN LEGÍSIMA

Mi hermana, 1943
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Óleo sobre lienzo, 103 x 94 cm

Por esta obra, la artista recibió la primera medalla de plata en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid en 1943. La pintura de Legísima puede describirse como realista, con tendencia barroca y un aura mística. Su dibujo es firme, la pincelada espesa, compleja y poderosa, y sus géneros preferidos son el bodegón y el retrato. En esta obra pinta a su hermana Asunción, vestida con hábito capuchino. Las arrugas y los pliegues producen un efecto extraordinario de luz y textura, que recuerda a la pintura española del siglo XVII. La hermana está sentada en su celda, rodeada de objetos cotidianos en una atmósfera espiritual.

DIONISIO FIERROS

Retrato de D. Evaristo de la Riva, 1879
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Óleo sobre lienzo, 122 x 83 cm

Dionisio Fierros comenzó su carrera como pintor en Madrid, adonde se trasladó siendo joven. Allí copiaba pinturas a escondidas mientras trabajaba al servicio del marqués de San Adrián. Después de su formación se dedicó a los retratos de encargo, que trató con realismo, aunque también con un aire romántico. Este retrato de don Evaristo de la Rivamuestra la calidad formal del pintor. Busca reproducir fielmente el aspecto de la persona, también la textura de la ropa, con gran cuidado por los detalles y sin huellas visibles de la pincelada. La luz cae sobre su rostro, con una mirada serena e intensa que transmite una presencia distinguida y apunta hacia su elevada posición social.

JANO MUÑOZ

Martín Muñoz, 2005
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Óleo sobre lienzo, 116 x 81 cm

¿Es esto una pintura o una fotografía? Esa pregunta puede surgir fácilmente en quien contempla la obra de Jano Muñoz, un artista que trata situaciones cotidianas con una técnica hiperrealista. El retrato de su hijo, Martín Muñoz, está inspirado en el claroscuro barroco. Contra un fondo oscuro, el niño emerge con una luz cuidadosamente controlada y tonos apagados. El artista no se limita a reproducir su apariencia con una técnica impecable, sino que también refleja el mundo interior del niño en este instante, en el que aparece enfadado y encerrado en sí mismo.

MARUJA MALLO

Mujer rubia, ca. 1951
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Óleo sobre tabla, 49 x 40 cm

Hierática y con una mirada penetrante, Mujer rubia, de Maruja Mallo, rinde homenaje a la belleza femenina y representa un arquetipo étnico. La obra expresa el anhelo de una nueva humanidad que surge a través de la mezcla de todas las variantes. Sigue la línea de su serie de retratos bidimensionales, realizados durante el exilio en América, donde la artista propone una imagen fuertemente estructurada, basada en un dibujo preciso y formas geometrizadas y monumentales, en las que la luz y la sombra resaltan los volúmenes.

ANTONIO MURADO

Autorretrato como fan de David Allen Coe, 2005
COLECCIÓN ABANCA
Óleo sobre lienzo, 103 x 94 cm

Esta obra forma parte de la serie «AM 34 x 24 Vol. I», compuesta por más de cien trabajos en formato idéntico. En ellos, el artista aborda temas que forman parte de su universo visual personal: el paisaje, la historia, la memoria y la pintura. La serie presenta también una amplia galería de personas cercanas al artista, como amigos y familiares, junto con una serie de escenas que recuperan recuerdos de infancia y nos permiten acceder a su intimidad menos conocida. El lienzo se convierte aquí en un verdadero testimonio autobiográfico, materializado a través de la pintura.

FRANCISCO LLORÉNS

Retrato de mi hija Eva, 1936
COLECCIÓN ABANCA
Óleo sobre lienzo, 90 x 70 cm

Esta obra es un retrato sentado de la hija mayor de Lloréns, representada en tres cuartos delante de un paisaje marino. Probablemente fue pintada durante sus estancias veraniegas en Galicia. La luz se concentra en la joven, mientras el paisaje tiene una atmósfera densa y gris. En contraste con la técnica suelta empleada en el fondo, el retrato está realizado con precisión y cuidado, con una pincelada más exacta y menos material. Destaca el uso del blanco, muy propio del gusto impresionista, ya que este color permite captar un amplio espectro de matices luminosos, reproducidos con cambios irisados en distintos tonos.

SANTI JIMÉNEZ

La devoradora, 2009
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Técnica mixta sobre papel, 110 x 102 cm

La parte principal de la producción de Santi Jiménez se basa en el dibujo figurativo sobre papel. Su proceso de creación comienza con referencias fotográficas, que ya sugieren determinadas composiciones, expresiones y posturas. El resultado son figuras aisladas, tratadas digitalmente y después completadas con distintos elementos que modifican el contexto. En sus obras se aprecia cierta influencia del cómic, además de fondos neutros que aumentan la importancia de las figuras, y elementos añadidos como onomatopeyas o efectos visuales.

MARÍA ANTONIA DANS

Retrato de niña, 1970
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Óleo sobre lienzo, 103 x 94 cm

María Antonia Dans fue una artista inquieta, reconocida tanto a nivel nacional como internacional. Participó en las tertulias del Café Gijón, donde conoció a Camilo José Cela, José Hierro y Carmen Laforet. Su pintura es profunda y conscientemente ingenua. Su pincelada es muy eficaz, los colores son intensos pero suavizados con delicadeza, y utiliza trazos breves de carácter dibujístico. Encuentra inspiración temática en los paisajes, un género en el que destacó, y en los temas populares gallegos, donde expresa recuerdos e impresiones sensoriales vividas.

JUAN LUIS LÓPEZ

Vendedora de pescado, ca. 1965
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Óleo sobre lienzo, 118 x 147 cm

Juan Luis es un pintor alegre, de colores fuertes y temática costumbrista. Las personas que retrata suelen ser bien alimentadas, sonrientes y de cuerpo robusto, personas que parecen llevar el peso del trabajo sin pesadez. Hay un folklorismo consciente en esta pintura, y un excelente equilibrio entre el dominio del dibujo y la fuerza del color. La obra de Juan Luis es importante como testimonio de tipos humanos y costumbres que están desapareciendo.

HELENA SEGURA-TORRELLA

Sopa de caracolas, 2008
COLECCIÓN DE ARTE AFUNDACIÓN
Fotografía sobre papel Ilfoflex (3/7), 118 x 150 cm

Esta obra pertenece a la serie «A través del espejo», en la que la artista refleja su fascinación por la obra literaria de Lewis Carroll. Es una invitación a entrar en un mundo paralelo que funciona como refugio cuando la vida se tuerce. Con una puesta en escena muy elaborada, la artista describe el descubrimiento de la vida a través de la mirada pura de una niña, Beatriz, su propia hija. Esta obra es el trabajo más autobiográfico y simbólico de la serie. Se trata de un autorretrato a través de la mirada de Beatriz, donde elementos de la pintura del padre de la artista se funden con imágenes fotográficas y conducen al espectador hacia un mundo onírico.

Selfien og portrettet / El selfie y el retrato